Pintura abstracta QUINQUE de Maurizio Valch en vestíbulo de hormigón brutalista

La pintura "QUINQUE" de Maurizio Valch se presenta ante el espectador como un imponente muro de tensiones cromáticas y geográficas, donde un denso plano amarillo inferior sostiene un horizonte bajo y sinuoso sobre el cual se asienta un vasto cielo de ocre cálido. Al observar las finas incisiones que rayan la superficie de la tela, es imposible no evocar el pensamiento de George Gurdjieff, un místico y maestro espiritual que investigó el automatismo humano y las leyes de la transmisión de la consciencia, aportando herramientas para comprender cómo el ser humano transita entre el letargo y el despertar. Estas líneas geométricas, que cortan la materia pictórica con la precisión de un bisturí, operan como los cables de alta tensión de una civilización dormida o como hilos de marioneta que imponen un orden mecánico sobre la naturaleza indómita del pigmento. Al mismo tiempo, estas veredas suspendidas parecen proponer vías de comunicación para el "recuerdo de sí" en medio de un desierto existencial, conectando los tres bloques superiores con la base terrestre. La obra no busca la complacencia decorativa; por el contrario, su sobriedad brutalista confronta al observador con la fragilidad de estas conexiones, sugiriendo que la consciencia no es un estado dado, sino una línea delgada y tensa que debe ser trazada activamente sobre el vacío de la existencia cotidiana.

Cuando me enfrento al lienzo en blanco en mi taller, no busco ilustrar una idea, sino desenterrar una geografía que llevo dentro, marcada por el sol implacable de Nerja y el polvo acumulado en los caminos andaluces. Preparo la materia acumulando capas de amarillo de cadmio y ocre natural, sintiendo el peso del aglutinante bajo la espátula, buscando que la pintura adquiera la densidad de un muro calcáreo expuesto a la intemperie. La incisión es el momento más honesto y definitivo del proceso: no hay margen para el titubeo cuando arrastro la punta metálica sobre la película pictórica aún fresca, abriendo surcos que revelan las capas inferiores como cicatrices en la tierra seca. Esos pequeños bloques que coloco en el espacio, casi como hitos de piedra en un paisaje desolado, no son meros caprichos compositivos, sino el testimonio físico de mi propia presencia en el estudio, de mis manos manchadas y del esfuerzo por fijar un instante de luz mediterránea antes de que sea devorado por la sombra. Cada cicatriz en la superficie es un registro de mi respiración, una manera de aferrarme a la realidad material frente al abismo de la abstracción pura.

El título de la obra apela directamente a la aritmética de la forma, presentándonos cinco elementos discretos distribuidos de manera desigual en el plano: dos firmemente asentados en la llanura inferior y tres suspendidos sobre las líneas incisas. Esta partición numérica resuena profundamente con las teorías de Carl Gustav Jung, el psiquiatra suizo que analizó los arquetipos y la simbología de los números como proyecciones del inconsciente colectivo, viendo en ellos estructuras reguladoras del orden psíquico. En la tradición alquímica y psicológica analizada por Jung, el número cuatro simboliza la totalidad ordenada, la estabilidad de la tierra y la estructura cuadrangular que da cobigo y límite, representada aquí por la franja inferior y sus dos bases. El quinto elemento, la introducción del quinque, rompe esta simetría terrestre e introduce la inestabilidad de la quintaesencia, ese factor humano que interrumpe la inercia de la materia para generar movimiento. Los tres bloques superiores, suspendidos como notas ingrávidas, se convierten en la representación de esa búsqueda que desestabiliza el orden natural, obligando al ojo a desplazarse de lo estático a lo dinámico, del peso terrenal a la incertidumbre del aire.

Mis recuerdos del territorio andaluz no son postales idílicas, sino sensaciones de aridez, de piedras calientes bajo los pies y de un horizonte que tiembla debido al calor del mediodía. Al pintar las dos masas cromáticas de "QUINQUE", intenté recrear esa vibración lumínica que parece aplanar el paisaje y disolver los detalles, dejando únicamente la estructura ósea de la tierra. La colocación de los cinco bloques responde a un impulso casi topográfico; para mí, pintar es realizar una cartografía mental donde las distancias y los vacíos pesan tanto como el pigmento acumulado. Mientras raspaba las finas líneas que sostienen las tres piezas superiores, pensaba en los pastores que delimitan sus territorios con piedras apiladas en la sierra, marcas mínimas que salvan al caminante de perderse en la inmensidad. Esa soledad de la piedra en el monte es la misma que busco plasmar en la tela: una presencia callada, resistente al tiempo, que desafía la fragilidad de nuestra memoria y nos recuerda que pertenecemos a una geografía física mucho más antigua y severa que nuestras propias cuitas personales.

En la resolución visual de "QUINQUE", la tensión entre lo lleno y lo vacío adquiere una cualidad casi acústica, donde el espacio que separa a los bloques funciona como una partitura visual de silencios medidos. Esta economía de medios conecta la pintura de Valch con la poética musical de Arvo Pärt, el compositor estonio cuya música se basa en el silencio y la distancia entre notas esenciales, donde la reducción extrema de elementos permite que cada sonido resuene con una pureza aurática. En la tela, el vasto campo ocre no es un fondo inerte, sino un vacío activo y resonante, equivalente al silencio musical de Pärt que sostiene y da sentido a las notas de su técnica tintinnabuli. Al distanciar los cinco bloques y suspenderlos en el espacio, Valch otorga al silencio pictórico un peso material equivalente al de los propios pigmentos amarillos e incisiones. El espectador es invitado a experimentar este intervalo no como una ausencia de información, sino como un espacio de resonancia interior donde la sobriedad del plano de color y la desnudez de la línea se revelan suficientes para evocar la inmensidad del paisaje y de la propia mente.

Referencias de contexto

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Sobre esta visualización

Esta visualización sitúa la obra dentro de un contexto arquitectónico para ayudar a coleccionistas y público a imaginar su presencia en un espacio real. Es una referencia interpretativa, no una reproducción exacta: la obra original es la única autoridad sobre la escala, el color, la superficie y la presencia material.