Maurizio Valch

La pintura de Maurizio Valch desarrolla un lenguaje abstracto, simbólico y metafísico en el que el territorio se encuentra con el pensamiento y la experiencia de existir. Sus espacios no remiten únicamente a lugares: pueden concebirse como ámbitos de memoria, como condiciones de origen o como territorios de los que una consciencia comienza a emerger. La geometría pertenece a sus recursos, no al propósito de su pintura.

Los monolitos ocupan un lugar singular en este universo. Su presencia permite aproximarse a aquello que adquiere consistencia en la experiencia: una creencia que se afirma, una identidad que se sostiene, un pensamiento que permanece o una existencia que no se deja explicar por completo. Estas relaciones no forman un código de equivalencias. El monolito conserva su capacidad de sugerir sin quedar convertido en la ilustración de una idea.

Las incisiones, las distancias y los horizontes participan de ese mismo lenguaje. Pueden abrir relaciones con la huella, la separación, el tránsito o la resonancia, sin que cada marca tenga que traducirse a un significado. La austeridad de algunas composiciones no implica una experiencia simple: lo que la pintura concentra puede exceder ampliamente la cantidad de elementos que presenta.

Este lenguaje adquiere inflexiones diferentes a lo largo de sus series: las máscaras de FACIES, el movimiento de VORTEX, el sueño y la memoria mediterránea de MARE SOMNIORUM, las investigaciones del origen, la aparición y el tránsito desarrolladas en PRIMORDIUM, EMERSIO y LIMINA, y las relaciones entre experiencia, memoria y pensamiento de STRATA. INCARNATE incorpora una perspectiva sobre la posibilidad de dar existencia pictórica, sin convertirse en la explicación de todo ese recorrido.

Entre lo vivido y lo imaginado, la pintura conserva un espacio de libertad. Su dimensión simbólica no entrega una clave para descifrarla: permite que algo pueda experimentarse sin quedar agotado por su descripción.

Maurizio Valch trabaja principalmente con acrílico sobre lienzo y también emplea óleo, que en parte de su producción interviene sobre la construcción acrílica para desarrollar matices, transparencias y transiciones de color. Utiliza pinceles y espátulas, combinando aplicaciones directas, veladuras, empastes, raspados e incisiones. Estos procedimientos varían entre obras y series: no constituyen una secuencia obligatoria ni buscan producir un acabado uniforme.

El proceso comprende tanto la incorporación como la retirada de materia. Superponer, cubrir, arrastrar o raspar permite transformar lo realizado sin borrar necesariamente todas sus huellas. Algunas intervenciones permanecen expuestas; otras quedan parcialmente ocultas y participan de la profundidad de la pintura. La superficie reúne así distintos momentos de elaboración, no solamente la última imagen.

La incisión ocupa un lugar particular en este trabajo. No consiste en dibujar una línea sobre la pintura, sino en intervenir físicamente sus capas. Su relación con las veladuras y las zonas de mayor densidad permite que una acción mínima modifique la experiencia del conjunto. La contundencia material y la sutileza no son procedimientos opuestos: pueden coexistir dentro de una misma obra.

La investigación no se desarrolla únicamente antes de pintar. También sucede durante el trabajo, en la relación entre lo que se intenta y lo que efectivamente aparece. Una decisión puede abrir una posibilidad que no estaba prevista, y la comprensión de una obra puede llegar después de su realización. El pensamiento participa de ese recorrido sin exigir que la pintura ejecute una explicación previa.

A lo largo de sus distintas series, la técnica permanece vinculada a esta libertad de investigación. La textura no constituye un fin en sí mismo, ni la construcción de una forma busca demostrar su perfección geométrica. Los materiales y las acciones permiten dar existencia a algo que no necesita estar completamente definido antes de comenzar a pintarlo.

Me interesan las atmósferas capaces de alterar nuestra percepción habitual de la realidad. Espacios donde lo visible no agota lo que experimentamos, donde la materia adquiere una presencia que trasciende su apariencia y donde el tiempo parece desprenderse de su continuidad cotidiana. No busco representar mundos sobrenaturales ni fabricar misterio. Me interesa descubrir lo extraordinario en el propio hecho de existir.

El silencio ocupa un lugar importante en mi sensibilidad, pero no lo concibo como ausencia. Puede contener una intensidad extraordinaria, una tensión que permanece sin resolverse, una energía que no necesita movimiento para manifestarse. Me atraen la contemplación profunda, la melancolía sin sentimentalismo, la extrañeza, la incertidumbre y esa particular sensación de encontrarnos ante algo que reconocemos íntimamente sin poder identificarlo por completo.

Sin embargo, mi universo no está subordinado a la oscuridad, la solemnidad o la introspección. También existen la luminosidad, el deseo, la vitalidad, la belleza, el asombro y el afecto. Una atmósfera luminosa puede contener un misterio profundo; una presencia monumental puede transmitir fragilidad; una composición aparentemente inmóvil puede albergar una transformación. La intensidad no necesita dramatismo, del mismo modo que la profundidad no necesita oscuridad.

La dimensión física resulta inseparable de esta experiencia. El color, la luz, las relaciones geométricas, las distancias, la escala, la densidad de la materia, las incisiones y la profundidad construyen realidades espaciales propias. No considero estos elementos un vocabulario destinado a traducir emociones o conceptos filosóficos. Sus relaciones pueden producir experiencias que ninguna interpretación individual consigue explicar completamente.

Me interesa especialmente la posibilidad de una presencia sin representación, de una existencia que no necesita ofrecer una identidad reconocible para establecer una relación con quien la contempla. En esa experiencia encuentro una dimensión profundamente metafísica: la pintura puede hacernos conscientes del misterio del SER sin intentar resolverlo. No se trata de comprender qué significa una presencia, sino de experimentar que está ahí, con su propia complejidad, sus contradicciones y aquello que permanece desconocido.

Hay también una dimensión afectiva que considero inseparable de mi relación con el arte. Una pintura puede aproximarnos a una forma de encuentro que no exige posesión, identificación ni comprensión. Puede despertar una intimidad inesperada con algo que desconocemos. En esa apertura encuentro una de las posibilidades más extraordinarias de la experiencia artística: el arte como una puerta al amor.

No persigo una atmósfera emocional uniforme. Cada pintura posee su propia naturaleza y puede despertar experiencias diferentes, incluso contradictorias. Me interesa preservar esa singularidad, permitir que la obra establezca sus propias relaciones con el espectador y que aquello que permanece inexplicable no pierda su fuerza por nuestra necesidad de comprenderlo.

El hecho mismo de existir me resulta más enigmático que cualquier explicación sobre lo que existe. Al volver sobre mi pintura, reconozco una investigación metafísica que comenzó mucho antes de que pudiera formularla con palabras. Una interrogación sobre el SER, sobre aquello que somos más allá de nuestras identidades, nuestras historias y las definiciones con las que intentamos comprender la existencia.

Me interesa la multiplicidad del SER: la conciencia, la memoria, el pensamiento, el deseo, las contradicciones, las transformaciones y aquellas dimensiones de la existencia que todavía no sabemos nombrar. Pero no concibo esa multiplicidad como un conjunto de partes que puedan separarse, analizarse y representarse individualmente. No pretendo explicar esa multiplicidad. Pretendo darle existencia pictórica.

Mi lenguaje se construye mediante el color, la materia, la geometría, las incisiones, las relaciones espaciales y la profundidad. Sin embargo, estos elementos no constituyen un sistema de símbolos destinado a representar emociones, pensamientos o estados psicológicos. La pintura no es una traducción visual de una teoría sobre el SER. Es la creación de una realidad autónoma, una manifestación que adquiere sus propias relaciones, tensiones, contradicciones y posibilidades de existencia.

Lo metafísico no reside necesariamente en aquello que la pintura representa, sino en aquello que su existencia hace posible experimentar. Una presencia puede manifestarse sin ofrecer una identidad reconocible. Una realidad pictórica puede suscitar la experiencia del tiempo, la memoria, la permanencia o la transformación sin convertirse en la ilustración de esos conceptos. La materia y lo intangible no necesitan presentarse como mundos separados: pueden encontrarse en una misma experiencia artística.

Hay algo fundamental en esta investigación: no debemos reducir lo desconocido a algo conocido para poder pintarlo. El misterio no es un recurso estético ni una oscuridad deliberada. Es el reconocimiento de que la existencia excede nuestra capacidad de comprenderla y definirla. La pintura permite aproximarnos a esa inmensidad sin la obligación de resolverla.

También encuentro aquí una relación profunda entre el arte y el amor. Contemplar puede ser una forma de acercarse a aquello que existe sin pretender poseerlo, explicarlo o transformarlo en una prolongación de nuestras propias certezas. La creación abre un espacio de libertad donde lo desconocido puede conservar su naturaleza y donde el encuentro con una obra puede modificar nuestra manera de experimentar la existencia.

El universo simbólico y metafísico de Maurizio Valch

Mi lenguaje pictórico se desarrolla a través de diferentes investigaciones que comparten una sensibilidad metafísica, pero poseen identidades visuales propias. La geometría, la materia, el espacio, la profundidad y las relaciones cromáticas adquieren distintas formas de existencia según la serie. Los elementos recurrentes no constituyen un código simbólico universal: su naturaleza y sus posibilidades expresivas se transforman dentro de cada investigación.

VORTEX — Movimiento, energía y transformación

Las configuraciones circulares, las estructuras concéntricas, los desplazamientos radiales y las tensiones direccionales constituyen el vocabulario fundamental de VORTEX. Las relaciones entre formas generan movimientos de expansión, contracción y rotación, construyendo espacios donde la estabilidad parece encontrarse constantemente amenazada por fuerzas que actúan sobre ella.

La geometría adquiere una dimensión dinámica. Los centros pueden funcionar como puntos de convergencia o dispersión, mientras las líneas y los planos establecen relaciones de equilibrio, oposición y desplazamiento. El espacio pictórico deja de percibirse como una construcción inmóvil para convertirse en una realidad atravesada por movimientos simultáneos.

La investigación se aproxima metafóricamente a la transformación permanente de la existencia, sin convertir el movimiento en una representación literal de la energía o la conciencia.

FACIES — Identidad, multiplicidad y reconocimiento

FACIES investiga las posibilidades de la representación fragmentada mediante configuraciones geométricas, planos desplazados, divisiones y relaciones entre superficies que pueden sugerir la presencia de un rostro sin depender exclusivamente de la semejanza figurativa.

La fragmentación no pretende representar una identidad destruida, sino abrir diferentes posibilidades de reconocimiento. Las formas pueden relacionarse, contradecirse o coexistir sin alcanzar necesariamente una unidad visual convencional. La percepción oscila entre aquello que parece familiar y una construcción pictórica que conserva su independencia.

El rostro deja de ser únicamente una superficie reconocible y se convierte en un territorio de relaciones espaciales, presencias simultáneas y perspectivas. Aparece así una interrogación sobre la identidad, su multiplicidad y las limitaciones de aquello que creemos conocer cuando reconocemos una apariencia.

MARE SOMNIORUM — Territorios imaginarios y memoria

Horizontes extensos, espacios arquitectónicos, monolitos, escaleras ascendentes, caminos, umbrales, bloques aislados y estructuras geométricas conforman una parte significativa del universo de MARE SOMNIORUM. Son escenarios donde la percepción del territorio se distancia progresivamente de sus referencias geográficas para adquirir una realidad imaginaria.

Las construcciones espaciales establecen relaciones entre cercanía y lejanía, profundidad y superficie, permanencia y transformación. Los horizontes pueden sugerir extensiones imposibles de medir; los caminos y las escaleras introducen direcciones que no necesariamente conducen hacia destinos reconocibles. Los elementos arquitectónicos parecen pertenecer a lugares cuya historia desconocemos.

La memoria del Mediterráneo, sus paisajes, sus arquitecturas y la experiencia de los territorios recorridos participan de esta investigación sin convertirla en una reconstrucción geográfica. El territorio deja de ser exclusivamente un lugar para convertirse en una posibilidad de existencia pictórica.

PRIMORDIUM — Materia y territorio originario

Dentro de la exploración territorial vinculada a MARE SOMNIORUM, PRIMORDIUM introduce una sensibilidad asociada a lo originario, a la presencia elemental de la materia y a la construcción de espacios anteriores a cualquier identificación geográfica precisa.

Los campos cromáticos, las superficies extensas, los horizontes, las estructuras monolíticas y las relaciones entre grandes masas geométricas adquieren especial protagonismo. Las formas pueden parecer aisladas, parcialmente integradas en el territorio o suspendidas dentro de una espacialidad cuya escala permanece indeterminada.

La reducción de elementos reconocibles permite intensificar las relaciones entre materia, color y profundidad. Lo originario no representa necesariamente un pasado remoto: plantea la posibilidad de contemplar una realidad antes de que nuestra necesidad de reconocerla la convierta en un paisaje conocido.

PRIMORDIUM se presenta aquí como una exploración vinculada a MARE SOMNIORUM, sin establecerlo automáticamente como una serie independiente.

EMERSIO — Aparición, presencia y transformación espacial

EMERSIO desarrolla un lenguaje de estructuras geométricas, volúmenes arquitectónicos, monolitos, planos superpuestos y divisiones espaciales que exploran las relaciones entre aquello que permanece integrado en una superficie y aquello que adquiere autonomía frente a ella.

Los límites, las interrupciones, los cambios de profundidad y las relaciones entre masas cromáticas generan situaciones visuales donde una forma puede parecer surgir, separarse o adquirir presencia dentro del espacio pictórico. La tensión entre superficie y volumen adquiere particular importancia.

La aparición no debe entenderse necesariamente como un nacimiento o una revelación. Puede constituir una modificación de las relaciones espaciales, una transformación de la percepción o una nueva condición de existencia de las formas.

La presencia no necesita representar algo reconocible: puede manifestarse mediante la propia realidad que la pintura construye.

STRATA — Sedimentación, materia y tiempo

STRATA investiga las relaciones entre estratos, campos cromáticos, superficies fragmentadas, bloques geométricos, horizontes, divisiones territoriales e incisiones que intervienen directamente sobre la materia pictórica.

Las superposiciones y veladuras construyen diferentes niveles de profundidad, mientras los cortes y las intervenciones materiales alteran la continuidad de las superficies. La composición puede sugerir desplazamientos, presiones, fracturas o estructuras sedimentadas sin convertirse necesariamente en una representación geológica.

El color adquiere una función espacial y material. Los contrastes pueden separar territorios, aproximar superficies o producir tensiones entre volúmenes aparentemente inmóviles. Las incisiones, por su parte, introducen una dimensión física que no depende de su interpretación simbólica: constituyen acontecimientos reales sobre la superficie de la pintura.

La memoria y el tiempo aparecen como posibilidades de lectura de estas relaciones materiales. STRATA no representa obligatoriamente las huellas del pasado; construye una realidad pictórica donde superposición, permanencia y transformación pueden coexistir.

INCARNATE — Multiplicidad del SER y existencia pictórica

INCARNATE permite reconocer retrospectivamente una investigación sobre la manifestación del SER que ya estaba presente en mi práctica artística. Su lenguaje se desarrolla mediante estructuras geométricas, relaciones arquitectónicas, planos, volúmenes, divisiones espaciales, contrastes cromáticos y construcciones de profundidad.

La composición puede establecer relaciones complejas entre unidad y fragmentación, proximidad y distancia, equilibrio y contradicción. Las estructuras adquieren una presencia autónoma, sin necesidad de reproducir una figura humana, un organismo o una identidad reconocible.

La investigación se aproxima a la multiplicidad de la existencia: conciencia, memoria, pensamiento, deseos, contradicciones y dimensiones que permanecen fuera de nuestras posibilidades de definición. Sin embargo, estas dimensiones no poseen equivalencias formales predeterminadas. Ningún volumen representa necesariamente el ego, ninguna incisión una herida y ninguna división espacial un conflicto psicológico.

No pretendo explicar esa multiplicidad. Pretendo darle existencia pictórica.

La pintura puede concebir una presencia sin describir su apariencia ni revelar una supuesta verdad interior. Su realidad no depende de la identificación de aquello que representa, sino de las relaciones, intensidades y posibilidades de existencia que adquiere dentro del espacio pictórico.

INCARNATA no establece una nueva metodología de creación. Constituye una perspectiva desde la cual puedo contemplar e investigar algo que mi pintura viene desarrollando desde mucho antes de encontrar estas palabras.

Resumen general — El universo pictórico de Maurizio Valch

Mi universo pictórico se desarrolla a través de un lenguaje abstracto, geométrico y arquitectónico en el que la materia, el espacio y el color adquieren una dimensión profundamente metafísica. Cada serie constituye una investigación particular, aunque todas participan de una interrogación más amplia sobre la existencia, el tiempo, la memoria, la transformación y la naturaleza del SER.

Monolitos, horizontes, estructuras fragmentadas, campos cromáticos, estratos, incisiones, volúmenes, umbrales, escaleras y construcciones espaciales forman parte de un vocabulario que se transforma a lo largo de mi trayectoria. En algunas investigaciones predominan el movimiento y las fuerzas; en otras, la identidad y la multiplicidad, los territorios imaginarios, la sedimentación de la materia o la manifestación de presencias abstractas.

La profundidad, la tridimensionalidad, las superposiciones y las relaciones entre superficies permiten construir realidades que no necesitan corresponderse con espacios físicos conocidos. La materia interviene activamente en esa construcción: puede acumularse, fragmentarse, revelar capas anteriores o adquirir nuevas relaciones mediante incisiones y desplazamientos.

Mis símbolos no constituyen un sistema de significados establecidos. Su importancia no reside únicamente en aquello que evocan, sino en la existencia que adquieren dentro de cada pintura. Un horizonte puede perder su condición de paisaje; un monolito puede convertirse en una presencia cuya naturaleza desconocemos; una estructura fragmentada puede conservar una unidad que no depende de su apariencia.

Al contemplar retrospectivamente mi trayectoria, reconozco una investigación sobre la multiplicidad del SER que trasciende las diferencias entre mis series. La pintura puede aproximarse a una existencia sin describir sus atributos, representar su psicología ni explicar su naturaleza.

No pretendo explicar esa multiplicidad. Pretendo darle existencia pictórica.

Esta perspectiva no constituye un programa que determine mi creación, sino una posibilidad de comprender aquello que mi pintura viene explorando desde hace tiempo. Cada obra conserva su autonomía, sus contradicciones y su misterio.

No debemos reducir lo desconocido a algo conocido para poder pintarlo.

En esa libertad encuentro la posibilidad de que la pintura trascienda la representación y se convierta en una experiencia de existencia por derecho propio.