Cuadro FISSURA en Decoración de Salón Orgánico | Maurizio Valch

Al confrontar el plano horizontal de la pintura, el espectador es absorbido por un denso territorio cromático que oscila entre el marrón rojizo de la sangre seca y la arcilla profunda. Este plano no es estático; está surcado de extremo a extremo por finas incisiones horizontales que parcelan la superficie en terrazas superpuestas, como cicatrices infligidas sobre una dermis antigua. Estas líneas divisorias evocan de inmediato las prisiones invisibles analizadas por George Gurdjieff, místico y maestro espiritual que investigó el automatismo humano y el "recuerdo de sí". En esta geografía pictórica, los surcos representan los límites de nuestra vida mecánica: hábitos, estructuras mentales y divisiones cotidianas que trazamos para guarecernos de la incertidumbre, pero que en última instancia adormecen la percepción. La superficie se comporta así como una piel curtida, marcada deliberadamente para contener la marea caótica de la existencia bajo un orden artificial.

Cuando me enfrento al lienzo en blanco, busco que la materia resista mi propia mano, que oponga una fuerza física al gesto. Trabajo acumulando capas sucesivas de acrílico y óleo denso, buscando esa cualidad orgánica de la materia que ha madurado con el tiempo. El momento crucial llega cuando hundo la punta metálica sobre la pintura aún fresca; la fricción de la herramienta que desgarra las capas revela un vacío controlado, una incisión que corta la continuidad del plano. Al situar el bloque de la izquierda, decidí que el rojo no debía ser un mero límite exterior, sino una compuerta a punto de ceder ante la presión de ese fragmento de azul turquesa. Es un pulso físico entre la opacidad del pigmento terrestre y la insistencia de una luz fría que empuja desde el fondo de la materia, un corte que interrumpe mi propio automatismo técnico.

La distribución espacial de los tres elementos rojos establece un diálogo de tensiones contenidas y distancias geográficas precisas. Mientras el gran bloque de la izquierda vibra bajo la presión interna del cian, su correlato a la derecha se reduce a un minúsculo destello sobre la línea del horizonte, como una señal lejana que apenas sobrevive a la inmensidad del páramo rojizo; abajo, un cuadrado rojo perfectamente aplomado descansa sobre una base negra, encarnando el peso sordo de lo que permanece estático. Esta sutil disposición de escalas resuena con las intuiciones de Carl Gustav Jung, psiquiatra que cartografió las imágenes del inconsciente. Estas geometrías no funcionan como aberturas o ventanas decorativas, sino como recipientes de contención hermética, templos arcaicos que preservan una intensidad arquetípica —el Sí-mismo o la consciencia pura— frente a la marea devoradora de la sombra que los rodea.

No pretendo retratar un paisaje concreto, sino rescatar la memoria mineral de la tierra que habito, esa sequedad arcillosa y antigua que caracteriza el paisaje mediterráneo. Hay una herencia silenciosa en los estratos de las cuevas y en los primeros asentamientos humanos, una temporalidad geológica que se acumula en la pintura como el polvo sobre la piedra. Al trazar las divisiones horizontales, no hago más que repetir el gesto ancestral del ser humano que delimita su territorio, que introduce una medida humana en la vastedad del tiempo. La pintura es para mí esa sedimentación temporal, un registro de capas superpuestas que de pronto es interrumpido por una grieta deliberada, un corte limpio que desvela el núcleo oculto de la materia bajo el sol de la historia.

En última instancia, la contemplación de FISSURA nos sitúa ante la posibilidad de una ruptura en el plano de la experiencia ordinaria. La incisión material en el lienzo se transforma en una brecha de atención, una fisura en el muro de nuestra conciencia habitual. El destello azul turquesa que emerge del recuadro rojo no representa un mero contraste cromático, sino la evidencia de que bajo el sedimento endurecido de nuestras rutinas y el silencio arcilloso de la existencia late una luz de origen extraño y primigenio. Al apartar la mirada de la superficie rasgada, queda la sospecha silenciosa de que nuestras certezas más sólidas no son más que finas capas de pintura esperando el golpe de la herramienta que las despierte.

Referencias de contexto

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Sobre esta visualización

Esta visualización sitúa la obra dentro de un contexto arquitectónico para ayudar a coleccionistas y público a imaginar su presencia en un espacio real. Es una referencia interpretativa, no una reproducción exacta: la obra original es la única autoridad sobre la escala, el color, la superficie y la presencia material.