ASCENSUS

Nota conceptual

La extensión verde de ASCENSUS sitúa al observador ante un riguroso diagrama de niveles que redefine la idea de tránsito dentro de la serie LIMINA. Maurizio Valch prescinde aquí de las referencias lineales a la escalera para explorar cómo la pura distribución del peso en el plano espacial puede sugerir una transición o un cambio de estado. El cuadro no describe un recorrido transitable; organiza una estructura de presencias donde la materia parece someterse a una ley de gravedad interna, señalando un paso inminente entre lo que permanece anclado y lo que intenta elevarse.

La obra abre una pregunta sobre la naturaleza del esfuerzo y el aislamiento a través de su marcada división horizontal. Al situar un bloque oscuro en el margen inferior y un gran monolito carmesí suspendido sobre una línea de sutura central, la composición plantea una distancia insalvable que debe ser experimentada antes de ser comprendida geométricamente. La tensión no se resuelve en una ascensión fluida, sino en la resistencia que cada bloque ejerce sobre su propio nivel, sugiriendo que toda transformación formal o de consciencia exige primero sostenerse en la intemperie del vacío intermedio.

Esta economía de elementos y la importancia concedida al espacio no ocupado revelan una estrecha afinidad con el concepto de intervalo en la música de Arvo Pärt, donde el silencio entre dos notas sostiene la tensión de toda la estructura. Sin embargo, a diferencia de la inmaterialidad musical, Valch ancla esta búsqueda en una dimensión brutalista y física más cercana a Antoni Tàpies; el gran campo verde no es un fondo neutro, sino un muro silencioso que confronta la densidad texturada de las formas rojas y negras, obligando a la mirada a medir la escala de su propio desplazamiento.

En la lectura visual, el plano de color verde oliva, sobrio y contenido, actúa como un vacío activo que rodea los núcleos de materia. El monolito central de un carmesí espeso y vibrante se asienta sobre una costura horizontal de raspados oscuros, flanqueado por dos bloques menores que acentúan la frontalidad de la escena. En la base, el bloque vertical negro e índigo funciona como un contrapeso visual, una presencia densa que estabiliza la composición desde abajo y cuya superficie rugosa conserva la huella de la espátula y la presión del pigmento.

Busco el punto exacto en que una forma deja de ser un simple plano y comienza a ocupar un lugar en mi propia memoria. Al pintar este gran campo verde y dividirlo con una línea que es a la vez límite y herida, no pretendo trazar un camino transitable, sino medir la distancia que separa mis certezas de aquello que todavía no ha tomado forma. El bloque oscuro de abajo y la masa roja suspendida arriba no son símbolos de una meta; son las coordenadas de una tensión silenciosa con la que convivo a diario en el taller, una estructura que me recuerda que todo intento de elevación requiere aceptar primero el peso de la materia que nos sostiene.